EL TEATRO ÉPICO DE BERTOLT BRECHT

¿Cómo se ha entendido y abordado EL TEATRO ÉPICO DE BERTOLT BRECHT en el grupo de IV semestre? Esta forma de producción teatral surge como una oposición a la forma clásica (estética naturalista y emotiva (método de Stanilavsky)) y burguesa de realizar el teatro, en donde las clases dominantes decidían que se podría mostrar y de qué manera; esta nueva manera de producir teatro solo se pudo realizar en conjunto con la clase obrera o del proletariado e intelectuales como Bertolt Brecht que aportaron teorías y métodos para producir diferentes maneras de representar, poniendo el mundo en manos de sus espectadores, dando la posibilidad de que el teatro se convierta “en sede de ilimitada acción política” y se sumara como una herramienta para el análisis y presentación del mundo en vía de permanente evolución, una evolución no limitada y mediada por poderosos sino por intereses comunes y sociales, es decir de los espectadores (proletario). Sus antecedentes se remontan a la guerra civil española y la segunda guerra mundial, brutales acontecimientos que problematizaron las dinámicas de la sociedad. El teatro épico surge a inicios del siglo XX proponiendo una reforma a la estética teatral y forma de producción dramática. Uno de sus principales objetivos es eliminar la vinculación emotiva existente entre el actor y el espectador, es decir evitar la catarsis en la representación, motivando mediante varias herramientas el distanciamiento o no identificación para que el espectador este mas libre para obtener una postura crítica y analítica ante la situación representada. Bertolt Brecht indago su teoría y práctica especialmente cuando tuvo a su cargo el Berliner Ensamble. 

OTRAS CARACTERÍSTICAS DIFERENCIADORAS DEL TEATRO ÉPICO

 • Se presenta de forma Narrativa, puede ser mediante un NARRADOR o por medio de monólogos e intervenciones directas entre los PERSONAJES (no los actores) y los espectadores; esto con la intención de que el espectador tenga presente siempre que esta dentro de un espectáculo y motivándolo adoptar una decisión o postura.
 • Las sensaciones que producen los personajes a los espectadores son con el objetivo de proyectar una toma de conciencia, no se queda simplemente con la intención de representar algo por inocencia o sin ningún interés, es decir siempre cada acción y personaje poseen un argumento.
 • Cada personaje es igual que cualquier hombre, un objeto de investigación (análisis) ya que es cambiante y capaz de generar cambios en las situcaiones(cubismo de los personajes). Se pierde la imagen del héroe trágico.
 • Su forma de desarrollo puede ser episódica, en donde cada escena puede ser aislada, es decir que sus acontecimientos se desarrollan por saltos en el tiempo y espacio.
• El pensar de cada personaje es determinado por el convivir social, es decir que su actuar va estar predeterminado a la sociedad o el papel que ejecute dentro de ella. 
• Intención de ofrecer imágenes del mundo, es decir situaciones por las cuales los espectadores están atravesando. • La tensión de la obra se lleva en todo su desarrollo, a diferencia de la forma dramática que se preocupa por ir aumentando la tensión a medida que se acerca al desenlace. 
• Cada personaje es portador de un Gestus social (sumatoria de todos los gestos, expresiones faciales y declaraciones de actitud de un individuo o de un grupo en relación con otro) que ayuda a que el espectador identifique en su vida cotidiana personas semejantes o ejemplos que le permitan adoptar una posición en cuanto a la representación. 
• Extrañamiento o distanciamiento es creado para situar siempre a el espectador en un espectáculo ficticio, en donde se irrumpe cualquier clase de vinculo emotivo con cualquier personaje, esto se logra gracias al uso de carteles, anuncios, recursos de comedia, música, canciones populares y coreografías.

LA OPERA DE LOS TRES CENTAVOS

Un análisis de la apreciación de la representación de :
La ópera de los tres centavos 

Foto caratula del álbum con la música de la opera de los tres centavos

Imagen tomada de: https://musicadecomedia.wordpress.com/2014/08/08/la-opera-de-cuatro-cuartos-die-dreigroschenoper/

National theatre se hace una opinión del ¿por qué montar a Brecht? y más ¿montar la obra la ópera de los tres centavos ? a que Lotte Lenya responde :

“la ópera de los tres centavos seguirá siendo vigente durante mucho tiempo porque trata acerca de la corrupción y la pobreza .La corrupción sabemos,tiene un gran futuro y ,el Señor sabe, ¡vaya a un pasado !”

Por otro lado la aceptación que le tuvo el público por esta obra en su momento ,para este tiempo un innovador espectáculo pues se relacionaba con los problemas económicos que en el mundo se estaban viviendo además si  centramos en Alemania podemos ver el posicionamiento del partido nazi ,viéndolo así esta obra está permeada de un contexto donde se veía la decadencia moral solo poco tiempo después de pasar la primera guerra mundial .

El hecho de aun seguir vigente en circunstancias actuales permiten tener un panorama muy similar de la problemática en aquella época y lo que nos pone en la mesa esta obra.

Andando  por este camino entonces entendemos la importancia de la intervención por parte y parte de la relación espectador-actor ,para Brecht ,que era todo un proceso de dialogar actor-personaje , espectador-obra ,donde las partes tomarán postura desde ese mismo diálogo para llegar a una conciencia de ¿que es lo que pasa? y no solo eso ,reflexionar para lograr una crítica objetiva propia desde la razón. 

Aquí se apela al trabajo del actor de lograr una buena actuación no encarnando el personaje si no solo enunciando su postura ,todo esto con el fin de no lograr una identificación para que este el proceso reflexivo ,y así llegar a el diálogo espectador-obra .El entender que la obra en sí misma si dice algo y te pide tomar postura frente a lo que te pide .

El que el texto y la música van de la mano , en la construcción de esta obra se hizo a la par de una cosa de hacer “música para todos“ una música que no generará identificación si no una contradicción o choque  de fuerzas que desequilibra lo que ve el público, para cortar cualquier lazo aparte que la música va mostrando una sátira del capitalismo ,sin contar el distanciamiento que se va creando desde los carteles , todo esto con el fin de lograr un momento de pensar el lugar de cada quien en la sociedad , es mirarse en un espejo , entenderse como parte de la sociedad y que la misma postura nos hace pensarnos en que queremos decir y cambiar o transformar .

"En ésta obra, Brecht profundiza en el mundo de los hombres y pone al descubierto todas las estafas de los patrioteros que se llaman a sí mismos patriotas, de los ambiciosos que cubren su rapacidad con la máscara hipócrita del deber, de los arribistas arrastrados hacia la maldad porque sólo están guiados por su oportunismo". Tomado de: https://www.entrelectores.com/libros/bertolt-brecht/la-novela-de-dos-centavos-bertolt-brecht

ESTAR O NO ESTAR : la encrucijada del Extrañamiento.

“El efecto de Extrañamiento muestra, cita y critica un elemento de la representación, lo “deconstruye”, lo coloca a distancia al presentarlo bajo un aspecto inhabitual y al hacer una referencia explícita a su carácter artificial y artístico” (Diccionario del teatro,1998;156)

La cita anterior menciona el deconstruir y la distancia.

Conceptos que no tienen validez y se vuelven abstractos si no existe un objeto “construido” y no se está dentro de algo para tomar “distancia”.

Esa es la primera conclusión a la que el grupo de Brecht logra llegar, aunque puede parecer evidente, es necesario tenerlo claro porque puede caerse en el error de empezar a construir sobre ideas que tambalean y es preciso tener una base sólida que soporte esa “construcción de algo y un estar”.

La Obra “Opera de los tres centavos” es la obra objeto de investigación, que será puesta en escena bajo los parámetros que Brecht plantea en su teatro y la visión carnavalesca del mundo. 

La primera encrucijada por la que el grupo se ve afectado es la del concepto distanciamiento, en un intento por querer plasmar una sociedad como la de Mackie Cuchillo -no alejada para nada de la sociedad colombiana- y distanciar a los espectadores, se cae en el cliché de los personajes, se evidencia a personajes malos por naturaleza; pero ¿cuál es el contexto que rodea a cada uno? ¿por qué se comporta cada uno como lo hace? ¿tienen otra opción,es decir, podrían actuar de otra manera? ahora lo más importante ¿Ese personaje se relaciona en algo conmigo, con mi contexto?.

Cuando en el quehacer actoral empezamos a cuestionarnos de esta manera, podemos ver la realidad a la que está sujeta cada personaje empezamos a verlo y a su situación  desde diferentes puntos y eso nos permite estar “dentro” para realizar el primer distanciamiento, el de el actor con su personaje, así al abordarlo no lo  hace desde una postura para interiorizar  sino desde una postura: la crítica. Es decir que el actor es capaz de objetar, refutar o defender al personaje y sin embargo puede hacer las tres, es allí donde demuestra 'la divergencia' diferente de panfletario, por ejemplo en el proceso de creación escénicas muchas veces caímos en el ser panfletario, en el señalar desde nuestras percepciones y no dimos cabida a otras posturas, fuimos entrenando en ello y realizar preguntas como las mencionadas arriba nos permitían ver más allá de lo superficial. 

Brecht  buscaba modificar la actitud del espectador en el teatro y activar su percepción, planteaba  un teatro que hiciera pensar y reflexionar a quien lo estuviese viendo. “El efecto de distanciación transforma la actitud aprobatoria del espectador  basada en la identificación, en una actitud crítica” (pequeño Organon,1963;42)

Siendo lo anterior, aquí es donde nosotros decimos se hace el 'segundo distanciamiento' , el de el espectador respecto a la obra, es preciso recalcar que el que denominamos 'primer distanciamiento' le otorga la posibilidad al espectador de ver a un Mackie Navaja que se hizo malo, o que nació siendo malo, o al que él mismo, como espectador convirtió en malo; es decir lo hace PENSAR. Y cuando el espectador piensa en lo que está sucediendo realmente en la obra se aleja de esa realidad que se crea en la escena, para llevarla a su país, a su barrio o a su hogar...

Pero este efecto no se logra si no se instala esa 'realidad' en la escena; y allí está otro punto en el que tuvimos que trabajar bastante el 'entrar' y 'salir' usualmente fuimos intermitentes 'entrábamos y salíamos' del personaje, de la situación en cualquier momento, nos costaba identificar en que momento debíamos sacar a las personas de el pequeño "callejón de Soho"   hasta que logramos entender que el mismo autor nos da las pautas, por ejemplo en la Ópera de los tres centavos el distanciamiento se da en las canciones, es decir que la canción es la que rompe con la situación que está sucediendo, para ello el término 'contradicción' fue nuestro aliado, las canciones que cantábamos hablaban de problemáticas sociales, de violencia de guerra, pero el ritmo era alegre, así las personas no se conmovían sino que se quedaban con el ritmo, luego con la canción entre sus labios, tarareando y finalmente se daban cuenta que lo que cantaban era horrible. Esta es la descripción de lo que nos sucedió a nosotros como investigadores, y lo que observamos en personas que fueron de a la par con nuestro proceso.  En la puesta en escena las canciones transformaban al personaje en el actor, era el actor quien las interpretaba y se dirija directamente al público no el personaje, lo quier decir que el semblante de cada uno era diferente también lo eran  la intención con la que se decía la palabra y se ejecutaba la acción , esto con el fin de 'sacar' al público de la situación que atravesaba la obra, romper esa "cuarta pared" instaurada.  Llevar a cabo procesos como este que experimentamos son muy enriquecedores tanto para nuestro accionar actoral como para el pedagógico, ¿Brecht nos permite pensar en un "distanciamiento" dentro del aula de clase? ¿Un niño puede verse distanciado de su contexto familiar o social al ingresar a nuestra aula de clase? ¿Podemos sacarlo o alienarlo de esa realidad que vive y crear un mundo diferente para él, en donde en equipo se piensen todas las soluciones posibles? Sí que es posible unir a Bertolt Brecht a nuestra práctica docente. 

GESTO SOCIAL

Por medio del gesto no se produce ni se actúa, si no que se asume y se soporta. No tiene propiamente nada que decir, por qué muestra una gran lista de huellas o experiencias detrás de ellas. En algunos momentos podría reemplazar hasta la palabra para que de un espacio y el mismo gesto pueda develar un significado dependiendo de la relación que se lleve a cabo. Se podría demorar una participación activa mediante el gesto una alternativa al diálogo verbal, relaciones fugaces, imperceptibles con nuestros semejantes, el movimiento puede ser positivo o negativo; osea dar sentido a un movimiento es reconocer que en el otro hay un gesto, na base para entablar relaciones o relacionarse. Todo esto para decir ahora que es un diálogo cargado de sentido, ahora para mantener la relación es importante conectar los sentidos, enlazar la razón, el cuerpo y el entorno, de esta manera se crea un panorama más completo para trabajar las relaciones con el diálogo no verbal <<el gesto>>.

Claramente no sé entiende como gesticular, por qué sabemos que no se trata de un movimiento para subrayar, se trata de ver una historia detrás. Que nos hace adoptar una actitud política al desarrollar un personaje (hombre particular) que sabe que cumple un papel importante en sociedad, y cómo ser con uso y dominio de su cuerpo sus sentidos y su razón ya lo hace un ser político por tener la capacidad de tomar decisiones, la vida es eso una serie de decisiones buenas o malas son decisiones que son tomadas por diferentes condiciones.

Para desarrollar este gran tema del gestus social creemos que  nace de la pregunta  "¿cómo hacer que cierto grupo de personas con determinadas características sociales se sienta identificado con mi personaje, sin caer en un cliché pero buscando en cada uno una reflexión social?"

Cada uno de los integrantes ha trabajado está característica corporal con la consigna de revelar un estado socioeconómico aparte que cada gesto revela una biografía que marca a ese personaje de tal modo que se va desarrollando y mostrando en el momento de las relaciones con los otros personajes. Un ejemplo claro, está en la relación que hay entre Mackie y los bandidos, se denota claramente una relación de jerarquía de poder y que cada uno es peor que el anterior: la meta del proceso es lograr reflejar en las relaciones una dialéctica de los personajes por medio de las acciones.

Desde aqui hemos venido trabajando los gestos individuales para desarrollar las actitudes corporales en el momento de las relaciones.

Gesto social Fue un poco complejo entender y plasmar en escena el gestus social, ya que cada uno lo percibió de diferente manera. Tuvimos un proceso muy lento y de entendimiento para llegar a esto que tenemos por reflexión, darnos cuenta que en Brecht la palabra es una acción política y hablo de esto no solo en sentido verbal si no como un conjunto de cuerpo y mente; todo esto construyendo una base sólida para mostrar en conjunto una herramienta de protesta social como lo es la palabra y todo lo que la componen . Gracias a la base de Escritos Sobre Teatro de Bertolt Brecht pudimos retomar diferentes conceptos y significados que desarrollamos a continuación: Por medio del gesto no se produce ni se actúa, si no que se asume y se soporta. No tiene propiamente nada que decir, por qué muestra una gran lista de huellas o experiencias detrás de ellas. En algunos momentos podría reemplazar hasta la palabra para que de un espacio y el mismo gesto pueda develar un significado dependiendo de la relación que se lleve a cabo. Se podría demorar una participación activa mediante el gesto una alternativa al diálogo verbal, relaciones fugaces, imperceptibles con nuestros semejantes, el movimiento puede ser positivo o negativo; osea dar sentido a un movimiento es reconocer que en el otro hay un gesto, na base para entablar relaciones o relacionarse. Todo esto para decir ahora que es un diálogo cargado de sentido, ahora para mantener la relación es importante conectar los sentidos, enlazar la razón, el cuerpo y el entorno, de esta manera se crea un panorama más completo para trabajar las relaciones con el diálogo no verbal <>. Claramente no sé entiende como gesticular, por qué sabemos que no se trata de un movimiento para subrayar, se trata de ver una historia detrás. Que nos hace adoptar una actitud política al desarrollar un personaje (hombre particular) que sabe que cumple un papel importante en sociedad, y cómo ser con uso y dominio de su cuerpo sus sentidos y su razón ya lo hace un ser político por tener la capacidad de tomar decisiones, la vida es eso una serie de decisiones buenas o malas son decisiones que son tomadas por diferentes condiciones. Para desarrollar este gran tema del gestus social creemos que nace de la pregunta "¿cómo hacer que cierto grupo de personas con determinadas características sociales se sienta identificado con mi personaje, sin caer en un cliché pero buscando en cada uno una reflexión social?" Cada uno de los integrantes ha trabajado está característica corporal con la consigna de revelar un estado socioeconómico aparte que cada gesto revela una biografía que marca a ese personaje de tal modo que se va desarrollando y mostrando en el momento de las relaciones con los otros personajes. Un ejemplo claro, está en la relación que hay entre Mackie y los bandidos, se denota claramente una relación de jerarquía de poder y que cada uno es peor que el anterior: la meta del proceso es lograr reflejar en las relaciones una dialéctica de los personajes por medio de las acciones. Desde aqui hemos venido trabajando los gestos individuales para desarrollar las actitudes corporales en el momento de las relaciones sociales .

BRECHT: UNA VISIÓN CARNAVALESCA

-     El carnaval es un ritual, celebración que se da siempre antes de la cuaresma, también es una fiesta hecha para satisfacer las necesidades de la carne (cuerpo, alma, vida) donde es permitida cualquier situación de ‘pecado’, todo  es tolerado y bien recibido, sólo durante los días de carnaval.

-  El carnaval también tiene un sustento político, donde claramente o indirectamente se evidencia situaciones de tipo democrático, rechazo a la moral, es totalmente cultural y es en ese momento donde el pueblo puede ser quien quiera ser, es decir, el cura deja de ser cura para ser alguien más del pueblo y  poder disfrutar del jolgorio.

   Teniendo en cuenta lo anterior mencionado, el autor  Javier Huerta Calvo en su texto Aproximación al teatro carnavalesco en su primer capítulo ‘teatro y carnaval. Deslinde metodológico. El concepto de carnavalización en Mijail Banton presenta diferentes niveles de teatralidad.

“El carnaval concebido como una inmensa obra de Teatro” Peter Burke.

Primera teatralidad: el carnaval visto como fiesta o ritual

Segunda teatralidad: Farsas y representaciones realizadas  en los días del carnaval más o menos  improvisadas o espontaneas. A estas las llamaremos formas pre-teatrales.

Tercera teatralidad: formas teatrales derivadas en segundo grado del carnaval y que son debidas a autores cultos. 

¿Cómo estamos trabajando  el carnaval en la ópera de los tres centavos en Bertolt Brecht? 

Una característica o categoría del carnaval según bajtin es lograr disolver los estratos sociales, hasta lograr una convivencia donde no hay prejuicios. Vemos reflejado esto en un mundo al revés que nos plantea Brecht donde los más miserables son quiénes manejan la ciudad, quienes toman las decisiones y las jerarquías toman un nuevo orden; en esta categoría también se puede develar que bajtin busca permitir con esta representaciones hablar de la actualidad más inmediata según el contexto de aquello que es evidente en la cotidianidad de una sociedad. Con esta premisa buscamos la manera de plasmar nuestro actual contexto utilizando como medio la obra, cada uno de los personajes busca  ser un referente de nuestra actualidad, del contexto de cada uno de los actores. El lugar donde se lleva acabo el carnaval es la calle, la toma del espacio público, por eso tomamos la desicion de intervenir el espacio público con nuestra puesta en escena, aunque en la estética del teatro de Bertolt Brecht esto jamás sucedería, el resultado de conjugar la visión carnavalesca y el autor fué ese. Tal vez Bertolt Brecht estuviese de acuerdo con esto, tal vez no, pero abrirnos a espacios como estos nos dan la oportunidad de llegar a personas que tal vez no tienen el tiempo para ir a una sala de teatro, o que ignoran por completo el teatro y lo que puede comunicar. 

 

¿Que quiere decir Bertorl Brecht con la opera de los cuatro cuartos?

Bertorl Brecht, plantea el teatro como una herramienta de concientización y reflexion de realidades, por ello en su dramaturgía hace una critica hacia el comportamiento humano en sus diferentes fasetas, generando en el espectador ese efecto de distanciamiento para lograr en él, una postura politica por medio de la obra. "La opera de los cuatro cuartos" fue nuestra excusa para indagar mas a profundidad sobre la dramaturgia de Brecht. En un primer momento como grupo de investigacion de la obra dividiendo las escenas suceso por suceso y asi concluir como era el tema central: " como lo malo se vuelve bueno"; ya teniendo esto lo plasmamos en la escena pero, no salio como esperamos ya que no teniamos tan claro el tema como lo suponiamos y era muy amplio, por ende nos llevaba a divagar mucho. Volvimos a hacer trabajo de mesa realizando de nuevo el analisis en diferentes momentos, pasando por temas como: "El dinero quita la humanidad" "control de masas atraves del dinero" "la maldad que no tiene castigo", haciendo un ejercicio de prueba-herror guiandonos por las sugerencias y apuentes de los profesores que nos orientaron en este proceso; llegamos a la conclusión que el tema central de la obra era " La corrupción". Teniendo en cuenta esto hicimos una elección estrategica de escenas y empezamos a indagar como en cada una se ve la corrupcion: escena 1 ( matrimonio), " corrupción de los entes de poder" allí se evidencía como las personas al tener el poder se aprovechan de esto para sus intereses propios, olvidando así la verdadera razón de su labor. Escena 2 ( Familia Peachum) "corrupción en la familia" aquí evidenciamos como las ancias de dinero, genera en las personas un desapego a lo que aman, ensimismandose cegadamente y sobrepasando los lapsos familiares para lograr sus intereses individuales. Escena 3 ( Lupanares) "corrupción por soborno" en esta parte percibimos como el dinero llega hasta tal punto de llegar a la traición de los que más queremos. Escena 4 ( dúo de los celos) " corrupción por intereses" en esta parte se muestra como se domina a la gente y nos dejamos dominar solo por cegarnos del supuesto amor. Esena 5 ( la orca) "corrupción por trafico de influencias" En esta ultima parte nos damos cuenta como el tener lo mal llamado "palanca" se comenten actos de injusticia sin que nadie diga algo al respecto.Teniendo en cuenta lo anterior empezamos a realizar la construcción de personajes, teniendo en cuenta en cada personaje el gestus de Brecht con refentes tanto de la Alemanina de Brecht como de la Colombia actual, ya que este tematica de corrupción es algo que nos acoge y nos ataca en nuestros días de una u otra forma, ya sea en micro como desde la familia como a lo macro en el poder.

https://youtu.be/q5qwycifbaE

https://youtu.be/E3U9BsF2eUw

¿COMO ABORDAMOS EL TEATRO POLÍTICO DE BRECHT?

En este recorrido por el teatro político de BRECHT hemos tenido la grata sorpresa de inquietarnos en cada pequeña decisión grupal a lo largo de este semestre, en un primer momento nuestras ansias por la creatividad colectiva nos llevaron a separarnos por completo de la idea del autor, aun no teniendo claro conceptos como distanciamiento o gestus social principios claves para entender a Brecht y a la obra, la investigación nos llevaba por caminos que al parecer eran claros para al plasmarlo en la puesta en escena se diluía, esto nos lleva a cuestionar la manera en la que nos relacionamos con  el autor y cómo abordar temáticas no solo en la teoría sino llevarlo a las tablas con el fin de que tanto el espectador como el actor puedan despertar  su conciencia crítica frente a lo que se  está representando.   

Este proceso se ha visto marcado por las movilizaciones que tuvieron lugar en el mes de octubre, en donde el grupo no  tenía aún consolidadas   ideas claras para la semana LAE, después de los imprevisto, las lucha, las movilizaciones y un sin fin de proyectos para llevar el teatro político  a tomarse las calles como un medio de expresar la inconformidad contra la represión y la decadencia de las fuerzas estudiantiles,  descubrimos  que la mejor manera era llevarlo a un espacio público amplia mente transitado en donde de forma mediática pudiéramos evidenciar a groso modo alguna de las problemáticas de la educación pública y la sociedad, esa misma que parece no cambiar a lo largo de los años.

 Con tintes carnavalescos la ÓPERA DE LOS TRES CENTAVOS  muestra la degradación humana en su máximo esplendor protagonizada por  lo que consideraríamos lo "marginal" prostitutas, mendigos y ladrones en la pirámide de la democracia, los cocreadores de un mundo marcado por la ambición y corrupción como único medio de supervivencia. En cada oportunidad que teníamos nos preguntamos ¿qué es lo que queremos contar? entre todas la ramas por las que la obra nos dirige nos creamos una nueva pregunta ¿qué relación tiene la obra con la Colombia actual?  Conocer el contexto que permeó  al autor  y lo condujo a temas tan polémicos en cada una de sus obras y entender de la misma manera la importancia de nuestro hacer social y la relación que tenemos con nuestra realidad Colombiana y  si el teatro épico sigue siendo el medio idóneo para despertar esa conciencia crítica en el espectador¿ Como utilizar el teatro épico para tratar problemáticas Que nos competen al ciudadano de a pie?

Para resolver las preguntas como grupo decidimos indagar  la historia para analizar esa irrupción del arte Por el arte para entrar en el arte con sentido social en la época en que se desarrolla como dramaturgo, dentro del campo del arte, intelectual y también político había candentes debates sobre estética, y qué “rol” debería jugar el arte y los artistas. Es que en el mundo entero con el proceso revolucionario abierto por el octubre Ruso se ponía en juego nada más y nada menos que el triunfo de la revoluciones obreras o la contrarrevolución reaccionaria y conservadora. Como buen patriota de su época, Bertolt no se quedó afuera de estos debates. No solo se dedicó a escribir obras, sino que teorizó y llevó a la práctica una nueva dramaturgia y puesta en escena llamada el teatro Épico en donde el distanciamiento y el  gestus social son los protagonistas, todo esto con el fin de no lograr la catarsis o el espectador para volverlo crítico de su propia realidad, para nosotros estudiantes de la licenciatura en artes escénicas a sido un reto  comprender la importancia de la "crítica social"por medio de la ópera aunque casi explícita en la obra, nuestra relación política con nuestro entorno nos llevó a tomar nuevas estrategias para alcanzar nuestro objetivo el entender el carnaval fue fundamental en esta nueva etapa del semestre teniendo como base el texto de la risa del carnaval de Mikhail Bakhtin comprendimos la importancia del mismo a nivel popular desde la edad media hasta nuestros días esté se convirtió en el medio ideal para purgar todo lo que sí considera "prohibido"   siendo el único Momento donde históricamente se rompen esos moldes establecidos entre la relaciones de poder y las económicas

Esto nos permitió jugar cada vez más pues en un comienzo tendíamos  a ser más rígidos con nuestro actuar en escena, nos llevó a indagar problemática colombianas referentes al tema que tratábamos de encaminar la obra la corrupción, donde des afortunadamente vimos como nuestro país desde la misma colonia hasta nuestros días está marcado por desfalcos millonarios, por estafas del Estado, por masacres enteras sin autores del hecho, por destierro y desaparición de pueblos

Casos tan sonados como el del carrusel de la contratación, como el de odebrecht, saludcoop,agro ingreso seguro entre muchos otros ejemplos que parecen sacados de un pueblo imaginario y llenos de personajes tan "ajenos" como macky.

Las guerras que sucedieron en el siglo xx fueron el detonante para ver en el arte un medio idóneo de representación de la realidad, hoy en día en Colombia el tema del pos conflicto y la reparación de víctimas a visto una fuerte inclinación por el arte como medio de visibilizar lo que los medios de comunicación callan en paralelo a lo que pasó en la segunda guerra mundial en donde el  exilio de Brecht lo ayudó a escribir sobre la guerra la desigualdad y el silenciamiento de las clases proletarias.

Comprendimos la importancia de tener una tema claro como la corrupción y como está no tiene ningún castigo en la obra, al estudiar a fondo cada uno de los casos expuestos anteriormente entendemos que estas problemáticas le competen al ciudadano promedio donde día a día lee y observa cómo las problemáticas políticas y sociales del país afecta su vida.

Todo esto nos ayudó a encaminar nuestra puesta en escena, comprendiendo el teatro político y nuestro hacer social como estudiantes que están en constante aprendizaje y que por medio de estos autores se acercan cada vez más a entender su hacer en la pedagogía.

Comprendimos que esté no es un proceso que se cierra si no que está en constante evolución, en espera de nuevos aires de creatividad

LA MUSICA EN BRECHT

Comenzar a familiarizarse con la música, el canto y la danza para la escena es una de las cosas mas difíciles para nosotros como estudiantes de Licenciatura en Artes Escénicas. A pesar de estar en una carrera donde se trabaja el cuerpo y la voz, no esta centrado en el canto. Por lo tanto, empezar a cantar para LA OPERA DE LOS TRES CENTAVOS  no fue nada fácil.

La voz  en cada uno de los integrantes se encontraba al comienzo con muchos vicios que afectan el rendimiento de la misma en una canción, incluso en la proyección. Y a partir de los ensayos reconocimos nuestras falencias a la hora de entrenar para la escena.

Nos basamos en el texto "La Voz. La técnica y la expresión" de Ines Bustos Sánchez  para mejorar nuestros hábitos antes, durante y después de los ensayos.
"...En la búsqueda de la homogeneidad y coherencia entre los registros central y agudo, se desarrolló una nueva técnica que se denominó «cobertura del sonido». Veamos su razón de ser: cuando un cantante, partiendo de la zona media de su voz, quiere ir ascendiendo hacia los agudos puede hacer una de estas tres cosas: 

a) Seguir ascendiendo en la misma posición (hasta llegar a un punto en el que es imposible seguir sin que resulte la voz forzada).
b) Pasar al falsete como en épocas pasadas.
c) Dejar que el sonido llegue a los resonadores de cabeza sin abandonar los resonadores de pecho, haciendo uso de la cobertura. Esta técnica consiste en obtener un espacio mayor y más flexible en la zona velofaríngea y un pequeño descenso de la laringe.

 Esto último proporciona, además de la homogeneidad y coherencia del sonido, una brillantez y fuerza en la zona aguda desconocidas hasta ese momento. Este nuevo concepto de emisión enriqueció los recursos de la pedagogía vocal, al poder emitir toda la extensión de la voz sin cambios de color."  Ines Bustos (2012) Teniendo en cuenta esto, experimentamos el canto de acuerdo a la comodidad de cada  integrante.


Encontramos también  en dicho texto que los cantantes líricos deben tener unas características especificas  como :"...a los cantantes se les exige una voz atractiva, un ámbito de tesitura mínimo de dos octavas, un volumen sonoro importante que pueda superar la barrera de la orquesta sin ayudas electroacústicas y, cada vez más, un dominio escénico, sin olvidar que el texto cantado ha de ser entendido por el espectador...", con eso en mente, Brecht nos pone en un reto a los integrantes del grupo, ya que ninguno cuenta con una formación vocal como para acercarse a ser cantante lírico y con esto explorar la escena.

Al explorar las canciones de la obra :"La opera de los tres centavos" nos dimos cuenta de lo importante que son cada una de las palabras que Bertolt Brecht. Sus canciones son una explicación directa de lo que busca decir en las escenas. Allí es donde coloca al actor en el llamado distanciamiento o alejamiento y le permite al interprete mostrar la cara real del personaje, su intención en la obra, su pensamiento.

Aquí pondremos una lista de canciones de la obra que investigamos durante nuestro proceso de investigación para Brecht

También algunas de nuestras versiones preferidas

¿ Para que Brecht en contextos academicos?

Bertorl Brecht, plantea el teatro como una herramienta de concientización y reflexion de realidades, por ello en su dramaturgía hace una critica hacia el comportamiento humano en sus diferentes fasetas, generando en el espectador ese efecto de distanciamiento para lograr en él, una postura politica por medio de la obra. "La opera de los cuatro cuartos" fue nuestra excusa para indagar mas a profundidad sobre la dramaturgia de Brecht. En un primer momento como grupo de investigacion de la obra dividiendo las escenas suceso por suceso y asi concluir como era el tema central: " como lo malo se vuelve bueno"; ya teniendo esto lo plasmamos en la escena pero, no salio como esperamos ya que no teniamos tan claro el tema como lo suponiamos y era muy amplio, por ende nos llevaba a divagar mucho. Volvimos a hacer trabajo de mesa realizando de nuevo el analisis en diferentes momentos, pasando por temas como: "El dinero quita la humanidad" "control de masas atraves del dinero" "la maldad que no tiene castigo", haciendo un ejercicio de prueba-herror guiandonos por las sugerencias y apuentes de los profesores que nos orientaron en este proceso; llegamos a la conclusión que el tema central de la obra era " La corrupción". Teniendo en cuenta esto hicimos una elección estrategica de escenas y empezamos a indagar como en cada una se ve la corrupcion: escena 1 ( matrimonio), " corrupción de los entes de poder" allí se evidencía como las personas al tener el poder se aprovechan de esto para sus intereses propios, olvidando así la verdadera razón de su labor. Escena 2 ( Familia Peachum) "corrupción en la familia" aquí evidenciamos como las ancias de dinero, genera en las personas un desapego a lo que aman, ensimismandose cegadamente y sobrepasando los lapsos familiares para lograr sus intereses individuales. Escena 3 ( Lupanares) "corrupción por soborno" en esta parte percibimos como el dinero llega hasta tal punto de llegar a la traición de los que más queremos. Escena 4 ( dúo de los celos) " corrupción por intereses" en esta parte se muestra como se domina a la gente y nos dejamos dominar solo por cegarnos del supuesto amor. Esena 5 ( la orca) "corrupción por trafico de influencias" En esta ultima parte nos damos cuenta como el tener lo mal llamado "palanca" se comenten actos de injusticia sin que nadie diga algo al respecto.Teniendo en cuenta lo anterior empezamos a realizar la construcción de personajes, teniendo en cuenta en cada personaje el gestus de Brecht con refentes tanto de la Alemanina de Brecht como de la Colombia actual, ya que este tematica de corrupción es algo que nos acoge y nos ataca en nuestros días de una u otra forma, ya sea en micro como desde la familia como a lo macro en el poder.

ESTÉTICA DE BRECHT ASUMIDA POR LOS ESTUDIANTES DE CUARTO SEMESTRE DE LA LICENCIATURA EN ARTES ESCÉNICAS.

La estética ha sido una de las mayores características del teatro de Brecht que nos ha llevado a constantes cambios y replanteamientos. Si bien es cierto, que al principio del semestre (nos referimos al tiempo antes del paro nacional y a las relativas vacaciones navideñas) se indago más en la dramaturgia, en las acciones físicas, en la intención del texto, entre otros aspectos. No se dejó atrás el interés por los elementos que pudieran componer la escena que, por un lado, potenciaran nuestro «estar» en la misma, y por el otro, ubicaran al público en el espacio-tiempo interno de la obra. Ahora bien, creemos conveniente dividir esta reflexión en dos grandes aspectos: escenario y vestuario. Posteriormente se abordará la disposición de los elementos en la escenografía. Además, se aproximará al lector sobre el por qué elegimos un teatro de Brecht en espacio abierto.

1.    Escenario.

 ✔️  Color y diseño de los elementos. 

El ropavejero de Peachum fue una de las primeras apuestas escenográficas. La componía una mesa color café de madera y una silla del mismo material con otro tono café. Había también una mesa de planchar. La segunda apuesta fue la del establo. La escena giraba en torno a una amplia mesa rectangular de madera, color café. La rodeaba butacas del mismo color.

Días preliminares al paro oficial se había planeado representar las escenas que se desarrollaban en el ropavejero de los Peachum y en la cárcel donde Polly y Lucy riñan. Ambas con proyecciones de luz verde y roja respectivamente, sin embargo, el proyecto no se materializó pues el paro entro con mayor fuerza.

Posteriormente al paro nacional, el encuentro con los maestros nos propuso una nueva alternativa: visión carnavalesca. Lo anterior modificó de manera significativa nuestra línea de trabajo: se replanteó la dramaturgia, por ende, la estética. Provocados por los maestros nos preguntamos, ¿cuáles elementos escenográficos se utilizarán teniendo en cuenta el espacio-tiempo de la obra? ¿Qué gama de colores se adoptarían? ¿Qué cantidad de elementos serían necesarios en la escena? Teníamos premisas del autor (que para nuestra percepción supimos aterrizar mejor en contraposición Al momento anterior  del paro).  Escenarios con pocos elementos, pues no se requiere copiar la realidad. Se habla sobre elementos simbólicos. Surge la cuestión de los carteles como efecto distanciador.

Actualmente se manejan cinco lugares escenográficos, que en breve se describirá:

- ROPAVEJERO: un confesionario color café oscuro hecho en madera y un atril café claro del mismo material.

- ESTABLO: mesa redonda con una seda roja intensa. Tres sillas hechas en madera.

- LUPANAR: un perchero negro, una silla roja y una barra de madera.

- CARCEL: una silla. La misma que se utilizó en establo crea la convención de prisión.

- HORCA : la misma silla* es utilizada como plataforma de la horca. El actor es quien cambia su posición.

*objeto poético. 

En síntesis, se le ha apostado a una gama de colores: negro, rojo y blanco. Se redujo la cantidad de elementos al mínimo, y de acuerdo al autor, a un elemento escenográfico, se le dio otro significado. Además, se potenció el uso de los carteles.

 

        2.  Vestuario.

   ✔️ Color y diseño de los elementos. 

Al igual que la escenografía, el vestuario estuvo sujeto a constantes cambios. al iniciar con la propuesta de la dramaturgia, se escogió prendas del almacén de la universidad con la necesidad de crear una imagen de la época Victoriana a propósito de la obra. Pocos, en su momento, fueron los aciertos. Sin embargo, el adoptar una gama de colores, facilitó la elección de las prendas. Así pues, Mac, quedo totalmente de negro a excepción de su corbata y tirantes (Rojas). Polly, por su parte, se  distinguió por un vestido blanco. Los matones pantalón negro camisa blanca por ultimo la familia Peachum adoptó el color negro para la Señora y café para el señor. De acuerdo a las sugerencias de los maestros, era necesario que los vestuarios tuvieran una misma textura y que dialogarán entre sí, pues hubo un momento, en donde el vestuario disipó el tiempo en que se desarrolla la opera de los cuatro cuartos. Francamente, no se logró con el primer objetivo: prendas de la misma textura. No obstante, la preocupación por la homogeneidad del vestuario estuvo presente.

Por otro lado, cabe resaltar que una integrante del grupo realizó una consulta sobre el diseño de los trajes en aquella época.

3.             3.   Disposición de los elementos de la              escenografía.

La disposición de los elementos escenográficos vario con el paso del tiempo. Antes del paro, las tres escenas que estaban mayormente consolidadas: el ropavejero de Peachum, la boda de Mac y el dúo de los celos. Contenían respectivamente los elementos nombrados anteriormente. Optamos por ubicarlos en su mayoría en el plano medio o en el primer plano. Creando así un cuadro por escena. Luego del paro, la disposición de los elementos cambió como consecuencia de la redistribución de los cuadros-escena. Es decir, en una misma zona, había tres cuadros-escena. Los elementos siguieron ubicándose en el primer y medio plano  pero ahora con la salvedad de que eran tres espacios con atmósferas deferentes, por lo cual, su colocación debía ser estratégica: evitar ocultar un elemento con otro e incluso a un actor. Y por otro lado, desde la vista del público se debía notar un justo reparto de los objetos.

Evidentemente se pensó en la ubicación del público, y de acuerdo al teatro sala, el público estaba frente al escenario. Esto se sostuvo hasta la entrega final del proyecto. Aunque en algún momento el público giraba sobre su propio eje, pues las escenas rotaban como lo hace el satélite con la Tierra.

4.    ¿Por qué elegimos un teatro de Brecht en espacio abierto?

La respuesta va ligada a la visión carnavalesca que se propuso luego del paro. Con la intención de que fuera un teatro movible. Un teatro que se pudiera poner sobre el pavimento, sobre la calle. Creemos que esa la razón principal por cambiar las luces de la sala por la luz solar.  

5.    Pequeña reflexión sobre lo estético luego de la entrega final del proyecto.

Luego de la entrega final, nos dimos cuenta de aspectos favorables y de otros que se deben mejorar. Empecemos por lo favorables:

➡️La distribución y la cantidad de los elementos en el espacio escénico fueron acertados. Contribuyeron a crear atmósfera en la escena. Permitieron una óptima visibilidad con respecto al público. Nos permitió la facilidad de cambió de escena.

➡️La utilización de carteles para ubicar. Con los carteles potenciamos la ubicación del público en un lugar concreto.

En cuanto a los aspectos a mejorar:

➡️  El diseño de los vestuarios deberían tener una textura más congruente entre sí.

➡️ Si bien es cierto que los elementos eran significativos, es decir, anunciaban, ubicaban, se debe invertir a algo que nos aproxime más a la realidad. 

➡️ La cantidad de carteles debió ser suficiente. 

VÍCTIMAS DE LA COYUNTURA

Al entrar en dialogo con el publico se enriquece nuestro proceso de investigacion teatral pues es la puerta de futuras investigaciones, este no es un proceso que termina en el corte de un semestre si no un sin fin de posibilidades de movilizar por el mundo del arte, la retribucion del publico fue lo que esperábamos un constante intercambio de saberes..
Se les realizo la pregunta ¿que relaciona de la obra con su contexto?
El espectador descirbio la corrupcion, la impunidad, la desigualdad social y  manipulacion todo esto lo ven presente en la vida del ciudadano de a pie y como este tipo de personajes parecen salir de la obra para chocar con una relidad social.
Como en su momento las problematicas que permeaban el contexto de Brecht lo llevaron a crear el teatro Epico, la cuyuntura  politica y social por la cual atravieza nuestro pais sera ese insumo para nuestras prosimas investigaciones de un proceso que hasta ahora comienza. A parar para avanzar viva el paro nacional. Nuestro proceso en el paro que se dio en octubre del año pasado, en un primer momento se vio cómo un obstáculo para nuestros fines académicos,puesto que aún no comprendiamos la importancia de el apropiamiento del espacio público como posibilidad de ser escuchados frente a las injusticias sociales que aún se presentan en nuestro país, con el transcurso de los días se evidenció que la falta de presupuesto en la educación pública no era un problema que pudiéramos ni debiéramos ignorar y que está cuyuntura era el momento adecuado para poner a prueba nuestro discurso argumentado en los autores, y ver la importancia del arte en momentos de crisis y como este llega a ser el medio de comunicación del pueblo, ese mismo que tiene como prioridad ser la voz de los oprimidos y que mejor que estudiar nuestra historia para tener referentes que fortalezcan los discursos que alentamos en las calles. A manera de reflexión evidenciamos las falencias del discurso de algunos estudiantes que pasan por alto los referentes políticos y sociales tanto de la pedagogía como del arte y no fortalecen su postura con argumentos que movilicen si no con la "calor" del momento. La lucha en las calles se enriquece con la Academia. Iniciativas como grupo para tomarnos los espacios públicos. Musicaliando en trasmi. Con arengas y canción de la ópera de los tres centavos comunicar la desfinanciacion de la educación pública. Vídeos que argumenten nuestra postura frente al proceso.

CREACIÓN DE PERSONAJES

"58. El actor debe aprenderse su papel junto con los otros actores, debe construir su personaje al unisono con la construcción de los otros personajes. Porque  la menor unidad social no es hombre, sino dos hombres. También en la vida nos construimos mutuamente"

 Bertolt Brecht -Pequeño organon para Teatro

"59. Una de las malas costumbres de nuestro teatro, que sin embargo, encierra una buena enseñanza,es que el actoracostumbrado (la estrella) se 'destaca', en buena parte, sirviendose de losdemas actores. Consigue que su personaje sea temible o sabio sobre la base de obligar a sus compañeros  a ser temerosos o apocados. Con el fin de dar a todos esta oportunidad , y de este modo  contriburir a la mejor explicacion de la fábula, deben los actores intercambiarse los papeles en los ensayos para que los personajes reciban de cada uno lo que de cada uno necesitan. Pero tambien es bueno para el actor ver a su personaje de otra manera o en la figura de otros, Un personaje acusa mejor su sexo cuando lo representa una persona del sexo opuesto, y si lo representa un comico, tragica o comicaente , revela nuevos aspectos. El actor , al contribuir a desarrollar a su antagonista, o por lo menos, al ponerse en el ugar del actor que lo representa , afirma,sobre todo, aquella decisiva postura social sobre la que se basa su personaje. L señor es solo señor del modo como el siervole permite serlo, etc."

                                                                                          Bertolt Brecht -Pequeño organon para Teatro

Nos basamos en la película "Mack the knife" (1989) de Menahem Golan para nuestra versión de "La opera de los tres centavos".

Aquí algunos fragmentos:

Aqui algunos acercamiento de espacios no convencionales en nuestra investigación.